el cine y su música

Aliens Vs. Predator.
Harald Kloser. Varése Sarabande 302 066 605

Inodoro, incoloro e insípido. La definición de las propiedades del agua acertadamente se aplican a esta banda sonora que, si bien no acompaña a una película original, argumentalmente ofrecía posibilidades para augurarnos un buen score. Veamos…

Corría el año 1979. La industria norteamericana introduce en la pantalla grande a otro monstruo, que como tantos en el cine, se disponía a devastar otras especies, con el sólo objeto de reproducirse. El film (y su personaje) fue bautizado Alien y se convirtió, de la mano del director Ridley Scott, en un éxito de público que dio lugar a tres secuelas.



Ocho años después, el realizador John McTiernan rodó Predator, la historia de un guerrero extraterrestre con enorme fortaleza, capaz de volverse invisible y poseedor de mortíferas armas. Las que, increíblemente, no le alcanzaban para derrotar a Arnold Schwarzenegger, el verdadero protagonista del film.

Ambas superproducciones dieron la vuelta al mundo y sumaron fanáticos para el género de la ciencia ficción.



Contemporáneamente se realiza (con el duelo entre ambas franquicias) un juego para PC, en 1999. También, la contienda llega al campo de la historieta, donde gana una considerable cantidad de dólares. Obviamente, su arribo al cine no iba a hacerse esperar.

En esta aventura, Alien Vs. Predator, el descubrimiento de una misteriosa emanación calorífica, que proviene de las profundidades del hielo Antártico, despierta la curiosidad del multimillonario industrial Charles Bishop Weyland (Lance Henriksen, remedando al creador original del androide que interpretara en Aliens y Alien 3).



Éste reúne a un equipo internacional de arqueólogos y científicos para investigar el lugar. Bajo la superficie congelada, descubren una pirámide, mezcla de las culturas Azteca, Egipcia y Camboyana. Dentro de ella encuentran una red de cuartos tan tecnológicamente adelantados, que hace obvia la presencia extraterrestre. Allí los desprevenidos humanos se encontrarán sin esperarlo, en medio de una guerra entre Aliens y Depredadores.

Así las cosas, el compositor Harald Kloser entra como el encargado de crear la banda sonora de este nuevo capítulo de la franquicia.

En Alien Vs. Predator musicalmente pueden rescatarse el "Main Title" (que en realidad aparece promediando el film), un tema en la línea instrumental de The Day After Tomorrow (El Día después de Mañana), obra del mismo compositor.



El tema "Antartica", que promete pero cumple muy poco. "Showdown", donde necesariamente había que esmerarse más y finalmente "The End… Or Maybe Not", donde los coros agregan algo de sugestión.



El resto del álbum es sólo ambiente musical de situación extraña, que podría ilustrar cualquier otra película de suspenso.

Lejos, muy lejos estamos de los grandes trabajos de Alan Silvestri para Predator I y II, o las excelentes partituras del maestro Jerry Goldsmith, de James Horner y de Elliot Goldenthal para la saga Alien.

Alien Vs. Predator ni siquiera (lo que al menos hubiera sido un consuelo) se acerca a los buenos trabajos anteriores del propio Kloser para The 13th Floor y la ya mencionada The Day After Tomorrow.



Queda claro entonces que Alien Vs. Predator nace más de una idea de marketing, que de una necesidad estética o expresiva, y esa idea se evidencia también en lo musical.

Es decir que, amigo coleccionista, estas líneas fueron escritas para advertirte, si te encuentras cara a cara con este score, será mejor que lo dejes pasar. No habrá de qué arrepentirse. Y ganarás tiempo y dinero. Lo cual no es poco.

Dirigida por Henry King y filmada en 1938, “Al compas de mis recuerdos” (Alexander’s Ragtime Band, su título original) es una película muy de su época que desarrolla el consabido argumento chico encuentra chica, chico pierde chica, chico recupera chica, aunque en esta oportunidad la diferencia radica que la acción está acompañada por las canciones del prolífico Irving Berlin.



Todo comenzó cuando la 20th Century-Fox planeó hacer una biografía de Berlin, algo con lo que él no estuvo de acuerdo porque ya tenía entre manos una ficción acerca de una banda que inicia una nueva era en la música popular de entonces. Berlin trabajó durante dos años junto con el estudio, en tanto preparaba la música. El resultado incluiría veinticuatro de sus más famosas canciones.



“Al compás de mis recuerdos” es una película en la que el trabajo del director Henry King es generalmente poco valorado. El film tiene lo mejor de su talento para el gran espectáculo combinado con una habilidad poco común para enfocar una historia que comienza en la denominada Costa Bárbara de San Francisco en 1911, donde el joven aristócrata Roger Grant (Tyrone Power) discute con su tía Sophie (Helen Westley) y el profesor Heinrich (Jean Hersholt) disgustados con él por su decisión de abandonar la música clásica para dedicarse a otra más popular. Llevado por este deseo forma una banda junto con Charlie Dwyer (Don Ameche) compositor y pianista, y Davey Lane (Jack Haley, el Hombre de Lata de “El Mago de Oz") un excelente baterista. Juntos, acuden a una prueba en el bar Dirty Eddie's.



Charlie lleva al concurso una pieza musical que cambiará antes de salir a escena para interpretar un nuevo tema de su autoría: "Alexander's Ragtime Band”. La canción se convierte en un éxito tal que Roger terminará llamando a la banda con el nombre del tema y cambiando el suyo por Alexander. De ahí en más el film narra su camino a la fama y los encuentros y desencuentros de los protagonistas, matizado con la mejor música.



La película reunió como protagonistas a Tyrone Power, Alice Faye y Don Ameche, luego del gran éxito de “En el Viejo Chicago” (In Old Chicago.1937) en tanto que ficciona los años tempranos del jazz, complementadas por el talento de Irving Berlin.



En la entrega de los Oscar de 1939, “Al compás de mis recuerdos” se alzó con el premio a la mejor banda sonora para el compositor y director de orquesta Alfred Newman, quien años más tarde volvería a ganarlo por “El Manto sagrado” y “Aeropuerto”. También fue nominada para mejor dirección de arte (Bernard Herzbrun y Boris Leven), mejor edición (Barbara Malean), mejor canción (Irving Berlin por “Now It Can Be Told”), mejor producción (Darryl F. Zanuck y Harry Joe Brown) y mejor guión original (Irving Berlin).



Hubo otros films con igual título basados en la popular canción de Berlin. El primero de ellos fue realizado en 1926 y se trató de un dibujo animado dirigido por Dave Fleischer. El otro fue filmado en 1931 y se trata de otra animación dirigida por Fleischer junto con Shamus Culhane como co-director no acreditado; como voz solista fue utilizada la cantante Dora Stroeva para interpretar, obviamente, la canción del título.



Temas musicales que se escuchan en el film Intérpretes

"Alexander's Ragtime Band". Alice Faye.
"Ragtime Violin". Jane Jones, Otto Fries y Mel Kalish.
"That International Rag". Alice Faye.
"Everybody's Doin' It". Wally Vernon, Dixie Dunbar y Alice Faye.



"Now It Can Be Told". Alice Faye y Don Ameche.
"This Is The Life". Alice Faye. (bailado por Wally Vernon)
"When the Midnight Choo-Choo Leaves for Alabam". Alice Faye.
"For Your Country and My Country". Donald Douglas.
"I Can Always Find a Little Sunshine at the YMCA". The King's Men.



"Oh, How I Hate to Get Up in the Morning". Jack Haley, Ethel Merman y el Coro del Ejército.
"We're On Our Way to France". Versión Coral.
"Say It With Music". Ethel Merman.
"A Pretty Girl Is Like a Melody". Ethel Merman.
"Blue Skies". Alice Faye y Ethel Merman.



"Pack Up Your Sins and Go to the Devil". Ethel Merman.
"What'll I Do". Versión Coral.
"My Walking Stick". Ethel Merman.
"Remember". Alice Faye.
"Marie". Versión Coral.
"Easter Parade". Don Ameche.
"Heat Wave". Alice Faye y Ethel Merman.
"Marching Along With Time". Ethel Merman.
(Escena cortada en el film, puede verse en la versión norteamericana en DVD).



"Some Sunny Day" Don Ameche
(Escena cortada en el film, puede verse en la versión norteamericana en DVD)

RESUMEN DE LO EDITADO EN ARGENTINA EN 2007:


LA TELARAÑA DE CHARLOTTE / CHARLOTTE´S WEB.
Danny Elfman. Sony Classical 88697 02989 2
El trabajo del compositor Danny Elfman para "Charlotte’s Web" es un trabajo bien construido y bien ejecutado, de agradable escucha y fácil comprensión. No obstante, nos deja la sensación de haberlo escuchado antes, quitándole fuerza al conjunto final. Seguramente no sea responsabilidad del compositor, sino de la cada vez menos arriesgada industria cinematográfica de Hollywood. En pocas palabras: Un trabajo poco creativo del que era lógico esperar más.


ERAGON.
Patrick Doyle. RCA Records 704850
Doyle, que siempre fué un compositor caracterizado por la riqueza temática en sus trabajos, se reitera melódicamente. De hecho, lo que hace para la banda sonora de "Eragon", es utilizar excesivamente el tema central. Si bien dentro de la cantidad de música que se escucha en el filme -muy superior a la editada – puede llegar a pasar desapercibido, lo cierto es que el álbum se estructura de forma tal que este tema parece ser la única idea con la que Doyle comienza, desarrolla y finaliza el score, volviéndola excesivamente monótona. No obstante, la elegancia del compositor de Juego Macabro ( Sleuth ) supera este inconveniente.


HAPPY FEET.
John Powell y canciones. Atlantic/Warner Bros. 83998
Tras las malas recaudaciones del film Babe, el Chanchito en la Ciudad, pocos confiaban en el realizador australiano George Miller. El director de la saga "Mad Max", respiró aliviado al comprobar que su "Happy Feet" lo trajo nuevamente a un primer plano, salvando de paso el flojo año de recaudaciones de Warner Bros. En este soundtrack - que sólo contiene un tema de la banda sonora, la suite The Story of Mumble Happy Feet (5:50 ) compuesto por John Powell -aparecen canciones de Prince, K.D. Lang, Chrissie Hynde y los actores Robin Williams ,Nicole Kidman y Hugh Jackman cantando temas como los personajes que interpretan – prestando su voz - en el film original.


BANDERAS DE NUESTROS PADRES / FLAGS OF OUR FATHERS.
Clint Eastwood. Milan Records. M2-36203
Producida por Steven Spielberg, "Flags of Our Fathers", nos presenta la batalla de Iwojima, aquel sangriento episodio de la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico ocurrido en Marzo de 1945, inmortalizado por una foto de unos soldados enarbolando una bandera norteamericana.
Es evidente que Eastwood ama la música, pero componiendo delata su gusto por Ennio Morricone, John Williams y el gran Jerry Fielding, quienes musicalizaran sus actuaciones. Más allá que su desempeño es correcto es sin duda preferible que acuda a los verdaderos profesionales en la materia. El CD incluye canciones interpretadas por Dinah Shore, John Philip Sousa, Artie Shaw, Irving Berlin, el 3er. Movimiento de la Sinfonía en G Menor de Wolfgang Amadeus Mozart y el 2do. Movimiento del Cuarteto para Cuerdas Opus 6 de Joseph Hayden.


ENCANTADA / ENCHANTED.
Alan Menken. Stephen Schwartz. Walt Disney Records D000092502
Más allá de las canciones, incluidas al comienzo del CD, con la excepción de la pista que cierra el mismo, "That's Amore” encontramos que en el score hay dos partes claramente diferenciadas. Las primeros temas recogen las andanzas de Giselle, la protagonista, desde que se dirige a palacio para la boda real (con la inevitable referencia a la marcha nupcial) y los últimos sus aventuras en el mundo real. La música incidental consiste en variaciones de las canciones, adaptadas, desde luego a la situación del momento. No encontramos nada nuevo, y la partitura queda lejos de sus mejores trabajos para Disney, aunque todavía nos deja una banda sonora fresca y divertida.


CARTAS DESDE IWO JIMA / LETTERS FROM IWO JIMA.
Kyle Eastwood y Michael Stevens. Milan Records M2-36249
"Cartas desde Iwo Jima", refleja con amargura la resistencia (utópica) del ejercito japonés ante el avance norteamericano. Claustrofóbica y opresiva, con excelentes flashback, Eastwood ensalza desde Iwo Jima tres valores fundamentales de sus enemigos: El profundo respeto por La Familia, La Amistad y La Patria. Refleja también la inutilidad de la guerra, la locura transitoria que provoca el silbido de las balas y la sangre derramada. En el apartado musical, Eastwood director olvida realizar el score; pero del mismo se encargan su hijo Kyle y el músico Michael Stevens, novatos en estas lides.


LOS SIMPSONS: LA PELICULA / THE SIMPSONS MOVIE.
Hans Zimmer. Adrenaline Music 40088.
Sin entrar en disquisiciones sobre si el proyecto debió quedar en manos de otros autores (como quien compuso el tema de la serie, Danny Elfman, o Alf Clausen, quien realiza el score para la serie de TV), la presencia del exitoso Hans Zimmer en el film no deja lugar a dudas tras leer la nota que en el interior del álbum que Jim Brooks (productor de la serie, del film y director de "Spanglish" o "Mejor imposible") le dedica amablemente.
El viaje sonoro que, en resumen, nos propone "Los Simpsons: la película", no deja de ser un agradable recorrido por lugares comunes que cualquier seguidor, no ya de Zimmer, sino de la serie, reconocerá sin sorpresas aunque con cierta decepción si le gusta lo creativo en cuanto a música de cine.


PAMPA SALVAJE.
Waldo de los Ríos. Melopea Discos CDMSE5142
El sello discográfico perteneciente a Litto Nebbia edita por primera vez en CD esta muy buena composición de De los Ríos para el film homónimo de 1965 dirigido por Hugo Fregonese y protagonizado por Robert Taylor, a la vez una remake de Pampa Bárbara de 1945 del mismo director. Incluye una entrevista con el fallecido compositor en la que descubre su pasión por los clásicos como Bartok, Janacek, Prokofieff, Aaron Copland y desde luego su maestro Alberto Ginastera. La canción "El Amor" incluído en el álbum es interpretada por Alberto Cortéz.


RATATOUILLE.
Michael Giacchino. Walt Disney Records D000050102
Nominado al Oscar de la Academia por este trabajo. Giacchino, como ya hiciera en "Los Increíbles" con John Barry y su música para James Bond, nos devuelve el estilo Henry Mancini de música suave, cercana al swing y el fox-trot y un trabajo instrumental bien en el estilo de las comedias de la década del 60. Apoyado en una base actual y con la ayuda de Tim Simonec, orquestador y director de sus obras, la banda sonora se mueve por diferentes temáticas consiguiendo momentos llenos de melodía al más puro estilo del compositor de “La Pantera Rosa “. Recomendable.


HARRY POTTER Y LA ORDEN DEL FÉNIX / HARRY POTTER AND THE ORDER OF THE PHOENIX.
Nicholas Hooper. Warner Bros Records 148156-2
Si analizamos este trabajo abstrayéndonos de las inevitables comparaciones con John Williams o Patrick Doyle, anteriores compositores en la saga - y del fenómeno mundial que rodea al personaje de Potter -, nos encontramos ante una partitura de audición agradable y construida con oficio. Hooper entronca con la tradición estilística iniciada por Williams en 2001 y no sólo en lo concerniente a la reutilización del motivo central del personaje en temas como "Another Story" y "A Journey To Hogwarts", sino en el tono con el que pretende encontrar una coherencia cronológica al score de esta secuela. De esta manera y pese a que el álbum arranca con un tema pulsado por la intervención de guitarras eléctricas -hasta ahora inédito en la serie-, Hooper parte de orquestaciones similares a las ya escuchadas, exceptuando los momentos emotivos. En definitiva, irregular pero profesionalmente realizado, cumple su objetivo en el film pero no aporta nada más.


AHORA SON TRECE / OCEAN´S THIRTEEN.
David Holmes. Warner Bros WEA 147964-2
Steven Sodenbergh junto con el compositor Thomas Newman realiza propuestas elevadas (Erin Brockovich, The Good German). Mientras que con Cliff Martínez trabaja la ambientación (como en Solaris, Traffic o Kafka), queda claro, entonces, que con David Holmes se divierte, lo que lo convirtió en el alter ego musical de Danny Ocean y sus muchachos. Holmes es, en la actualidad, uno de los Dj´s y productores musicales más buscados en los circuitos de la noche norteamericana, pero no un compositor de cine en sentido estricto. De tal forma que "Ocean´s Thirteen" es, en realidad, un bloque indisoluble de secciones musicales que son complementarias. Esa escucha uniforme no deja espacio alguno para el motivo central de la saga que el compositor utiliza con cuenta gotas, algo lógico si lo que se busca es convertir la música diegética en un lounge incidental. Muy agradable pero poco comprometido, aunque Holmes hace lo que mejor sabe.


PIRATAS DEL CARIBE: EN EL FIN DEL MUNDO / PIRATES OF THE CARIBBEAN: AT WORLD´S END.
Hans Zimmer. Walt Disney Records D000037102
"Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo" sirve sobre todo para reivindicar el talento sinfónico del compositor alemán y es una prueba palpable de su continua evolución. Aunque, desde luego no es posible comparárselo con clásicos del género de piratas como Eric W. Korngold, Max Steiner o Alfred Newman. Zimmer es un hombre que huye de las comparaciones, pero indudablemente no de los homenajes, convirtiendo esta composición en su oda particular a dos compositores a los que lógicamente admira: Ennio Morricone y Georges Delerue. ¿Se lo agradecerán?


SHREK TERCERO/ SHREK THE THIRD.
Harry Gregson - Williams y canciones. Geffen/Universal B0008898-02
Repitiendo el mismo esquema que en Happy Feet este soundtrack contiene sólo un tema de poco más de dos minutos del compositor Harry Gregson – Williams para el film, Charming's Plan, el resto del CD está sazonado con canciones de Led Zeppelín, Paul McCartney and Wings (El clásico Bondiano Live And Let Die), The Ramones y Eels más Eddie Murphy, Antonio Banderas, Maya Rudolph y Rupert Everett en canciones interpretadas como sus personajes en esta tercera parte.


LA FAMILIA DEL FUTURO / MEET THE ROBINSONS.
Danny Elfman, Rufus Wainwright. Walt Disney Records D000024602
Lewis tiene una fabulosa capacidad para inventar cosas. Aunque por lo general no todas funcionan de la manera en que él quisiera, su talento es innegable. Así inventa el “Scanner de Memoria”, un logro científico. Pero, antes de poder usarlo, su invento es robado por Bowler Hat Guy y su siniestro sombrero Doris. Cuando las cosas parecen no tener solución para Lewis, un extraño personaje, Wilbur Robinson, lo saca de su depresión y lo lleva en su máquina del tiempo hacia el futuro, perseguiendo a Bowler. Conforme con lo dicho sobre La Telaraña de Charlotte, la banda sonora de este film muestra a un Elfman repetitivo, que debe su falta de inspiración a lo marcado por los productores para lograr un film “vendible“. Pensemos, que al final de cuentas, tenía en sus manos otra versión del clásico argumento de Volver al Futuro. Podría haber sido musicalmente un desafío interesante.


MUSICA DE CINE & TV.
Guillermo Guareschi. WEA 5051011812323
Excelente álbum doble que compila el trabajo de uno de los nuevos valores de la Música Cinematográfica en la Argentina.
Incluye temas de las bandas sonoras compuestas por Guareschi especialmente para El Fondo del Mar, Tiempo de Valientes (Damián Szifrón, 2003 y 2005 respectivamente), Los Suicidas (Juan Villegas. 2005) y música para televisión entre la que se destacan algunos temas para la exitosa telenovela Montecristo. Para escuchar una y otra vez y recomendar.

DURO DE MATAR 4.0
Marco Beltrami.
Sello: Varese Sarabande 302 066 824 2
Año: 2007


El mito del eterno retorno se ratifica en la cinematografía hollywoodense para recordarnos, una vez más, que nada se pierde sino que todo se transforma permanentemente… en lo mismo.


Con nuestras esperanzas quebradas, asistimos al regreso de personajes como Rocky Balboa o Superman sabiendo que estos films no terminan todavía con el revival, ya que los estudios amenazan con un cuarto film de Indiana Jones y otro más de Rambo, buscando abiertamente que los grandes éxitos taquilleros de la década del ochenta reditúen otra vez.



Así las cosas vuelve también el recordado Die Hard, título que indica la franquicia en la que el protagonista es John McClane (Bruce Willis), aquel policía duro de matar que siempre estaba en el lugar y el momento menos indicado, pero que terminaba resolviendo, no sin esfuerzo, la situación favorablemente.


Len Wiseman reemplaza en la dirección al siempre eficiente (pero no eficaz John McTiernan, para esta cuarta entrega cuyo título original es Life Free or Die Hard (frase panfletaria si las hay), pero que en Latinoamérica conoceremos saludablemente como Die hard 4.0; aquí Mc Clane enfrenta, como siempre, a otro grupo terrorista que quiere dominar al gran país del norte que no es Canadá. Aggiornardos para la ocasión, la trama propone la existencia de un enemigo interno que elige el 4 de Julio -día de la independencia estadounidense- para atacar controlando a través del sistema informático la seguridad, las comunicaciones, la economía y la infraestructura de todo el país, por lo que McClane deberá contar para combatirlos con la ayuda de un hacker, personaje que en realidad es un guiño hacia las nuevas generaciones de espectadores que crecieron conociendo en video y DVD al duro policía.



¿Y la música?. Mmm… Veamos … El compositor Marco Beltrami y el director Wiseman habían ya colaborado en la post-producción de la fallida Underworld: Evolution y, aunque esto pudiera no ser un buen augurio, Wiseman decidió arriesgar y contar con Beltrami para la banda sonora, aunque, debemos reconocer que al recurrir al autor de las extraordinarias Flight Of the Phoenix y Hellboy tenía mucho y bueno que esperar.



Como es lógico para los oídos de cualquier gustoso de los scores, resulta inevitable a la vez que imprescindible comparar el trabajo de Beltrami con el del gran Michael Kamen (desaparecido trágicamente años atrás) en los tres films anteriores. Indudablemente Kamen interpretó a la perfección desde su banda sonora la tensión tragicómica y maliciosa de la saga Die Hard tomando como punto de partida el hecho de que las dos primeras entregas transcurrían en Navidad.



A partir de ahí –el obvio contrasentido de un hecho de violencia acontecido precisamente durante la consabida Noche de Paz– el talento y la vis cómica del compositor neoyorkino se explayó por sobre la acción, apoyando de la mejor manera el tono del personaje interpretado por Willis.



Por su parte y comenzando por Out of Bullets, Beltrami continúa la inspiración original de Kamen utilizando su motivo de cuatro notas que caracteriza la saga. A partir de allí, la acción arrolladora toma su lugar para no desaparecer excepto sobre el final (Aftermath). Este estilo del score es saludablemente propio del compositor y no copia los esquemas oportunamente establecidos por el autor de The Krays.



Le siguen, como está dicho, una sucesión de temas vigorosos, en los que el compositor apela a diferentes estructuras rítmicas, utilizando sonidos mecanizados que parecen haberse convertido en un sello del autor. Sobre esta premisa, Beltrami construye una serie de motivos de acción que asemejan un caos orquestal acompañado de varias disonancias, como en Traffic Jam, Leaving The Apartment e It´s A Fire Sale.



En el film todo es posible para McClane: esquivar balas y salir ileso de un ataque con explosivos, destruir un helicóptero desde el cual le disparan misiles contraatacando con un automóvil, o manejar un camión en las alturas de una autopista bombardeada, derribando al mismo tiempo, al avión de guerra que lo ataca, situaciones que son apropiadamente acompañadas por el descollante estilo del compositor para los temas The F-35, Landing, Hurry Up! o el excelente Cold Cuts, quizá el mejor de todo el álbum.



Más allá de algunos supuestos “errores“, que esta banda sonora tiene y considerando los aciertos, que tampoco faltan, Marco Beltrami es un nombre obligado al hablar de buena música de cine en la actualidad y sólo por eso habrá que estar muy atentos a sus próximos pasos, los que siempre serán en pos de conseguir un mejor entretenimiento cinematográfico. De eso, podemos estar seguros.

Dos anuncios. El primero, el Curso de Música de Cine dictado por Jorge Luis Viera en Artilaria, Cabrera 4182 (CABA) (t.e.: 4866-5863; info@artilaria.com.ar), desde el martes 17 de abril de 21 a 23 hs.

El programa del curso se puede consultar en la página de Artilaria:
http://www.artilaria.com.ar/2007/marzo/cav015.html

El segundo es el ciclo de cine comunitario en el barrio, libre y gratuito, en el Centro Cultural Latinoamericana, en Congreso 2361 (CABA), teléfono 4702 0724. Este sábado 28 de abril. A las 19.30 hs. se proyectará el corto "Canción para Ana" de Laura Citarilla y a las 19.45 hs., el largo "EL AMOR (Primera Parte)" de Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre y Juan Schnitman. Posteriormente habrá una charla con los realizadores.

BEN HUR. Una Semblanza:

Hollywood a fines de los '50 necesitaba de nuevos formatos como el Cinemascope y de espectáculos grandiosos para que el público prefiriese ver películas en la pantalla grande y mantener así la magia del séptimo arte, inagotable y permanentemente sujeta a modificaciones para reinventar su meca comercial, Hollywood. Ésta fue la etapa más cara de su tiempo evolutivo: las escenas de masas y las de acción (en el caso de Ben-Hur, todo rodado en los estudios Cinecittá de Roma donde filmaba Federico Fellini) son espectaculares y están despojadas de los efectos especiales que poblaron a la moda impuesta por la nueva corriente de películas épicas que abusan de estos elementos tecnológicos.



El gran William Wyler se puso detrás de las cámaras como responsable de este ambicioso proyecto. Quince millones de dólares fue el costo final de la película, récord por aquel entonces, aunque sólo el primer año de exhibición en cines proporcionó 40 millones de ingresos en la taquilla. El rodaje y preparativos se prolongó durante 5 años y construir ciertos escenarios llevó todo un año. Una superproducción que acabo siendo rodada en un formato especial para intentar superar la calidad de imagen ofrecida anteriormente por "The Robe", primer film en el que se utilizó el cinemascope.



"Ben Hur" fue la cima del cine basado en hechos de la Antigüedad que popularizó durante toda la década de los 50 para hacer frente a la televisión y que propició que se pusiera de moda un género, el épico, que gracias a películas como "Spartacus" de Stanley Kubrick, "Cleopatra" de Joseph L. Mankiewickz, al indudable aporte de directores como David Lean ("Doctor Zhivago", "Lawrence de Arabia") y Cecil B. De Mille ("The Greatest Story Ever Told", "The Ten Commandments") mantuvieron vivo al género durante muchos años adaptando historias bíblicas, acontecimientos históricos, personajes de leyenda o épicas monumentales. La cautivante fotografía hace uso de planos breves y muy breves, picados y contrapicados y de perspectivas amplias, en las que reúne más de 50.000 extras. La música de Miklos Rozsa es probablemente la mejor música bíblica jamás escrita.



La película tiene elementos bíblicos porque aparece, siempre fuera de campo o de espaldas, la figura de Jesucristo, que no es un personaje central, pero sí fundamental en el relato que está basada en una novela de Lee Wallace y que fuera también adaptada en el cine mudo en 1925 por Fred Niblo.



Ben-Hur sin duda cuenta con una de las obras maestras en cuanto a bandas sonoras se refiere más impresionantes que se hayan hecho nunca, no sólo por su belleza musical con temas como el de Judah o el propio Jesucristo, amén de sus imperiales marchas, sino también por la exquisita complejidad de su música a la par que sencilla en cuanto a cómo resuelve los problemas de unión de uno o varios temas.



Su compositor, Miklos Rozsa, posiblemente el mejor compositor de BSO de la historia, sólo igualado por John Williams (Star Wars), es capaz de crear una música que llena la pantalla no sólo por su grandiosidad, sino por esa innata virtud que muy pocos compositores tenían de crear en composición los trazos y rasgos más importantes de cada personaje en un tema específico que entreteje y enlaza con el tema de Jesucristo o el tema de Messala. Sus matices de amor, odio, pasión, misericordia para un mismo tema o varios a la vez la hacen una obra única.



La preparación de Miklós Rózsa

"Ciertas escenas precisaban música antes de empezar a ser rodadas: una serie de danzas y marchas para escenas de banquetes, desfiles y fiestas. Como había hecho en Quo Vadis, Rózsa inició una labor de investigación que lo llevó hasta material musical griego, hebreo y oriental, punto de partida para espectaculares danzas africanas o beduinas y también para desarrollar dos de los más bellos temas del score: el de Judah y el de su madre (Martha Scott), ambos basados en melodías hebreas, al igual que el hermoso motivo con arabescos orientalizantes que acompaña el regreso del protagonista a Judea.



Mayor problema representaba el material romano, ya que no existía indicio alguno de música de la época y Rózsa suponía que, en gran parte, ésta debía de ser (como gran parte de la cultura romana) asimilación de la griega. Ya en Quo Vadis, Rózsa se vio obligado a reconstruir su propia interpretación de la música romana, esto le llevará a crear una especie de "subgénero" dentro de la música de Hollywood por el que se haría célebre, la marcha romana.



Ben-Hur está plagada de este tipo de marchas militares o triunfales (La entrada de Graco en Jerusalén, el desfile en Roma, la marcha que preludia la carrera de cuadrigas o la de la victoria final de Judah en el circo). Su función trasciende lo meramente diegético (no se trata de un sonido "realista", puesto que la música romana no podía sonar así, ejecutada por una orquesta moderna) y viene a ser un comentario incidental para reforzar la espectacularidad de lo mostrado". (Roberto Cueto)

Además del espectáculo visual que muestra, "Ben Hur" es cine épico con corazón: una simple historia de venganza de amor - odio ¿homosexual? (una relación pasional que genero diversas lecturas de conflicto por este dilema moral). Un film que habla sobre la rivalidad entre judíos y romanos, en la línea divisoria entre lo bueno y lo malo y las desdichas primero y la gloria después. La recreación de la Roma de época es fantástica y la mezcla de elementos como traición, amistad, rencor o esclavitud enriquecen el argumento vibrante en su relato y con gran fluidez narrativa, contiene temas tan sugestivos como románticos, sombríos y tensos en cuanto a la relación que establecen entre si sus personajes centrándose en los aspectos humanos de los mismos.



Charlton Heston, excepcional en un papel consagratorio y con el que se le identificará por el resto de su carrera, encarna a Ben-Hur con la furia y el coraje que le dan fuerza a un personaje de aspecto duro y recio. Cabe destacar, que durante muchos años se mantuvo como la película mas premiada en la entrega anual de los Oscar. Un autentico mito cinematográfico que salvó a la MGM de la ruina, popularizó a Heston y puso de moda un género e inmortalizó al enorme Miklós Rozsa.

King Kong. John Barry.
Film Score Monthly FSM Vol. 8, No. 8.

Sin dudas, King Kong es uno de los íconos inolvidables de la historia del cine. La creación de Meriam Cooper y Edgar Wallace inspiró cientos de versiones en varios medios, también y obviamente, en el cine, donde se destacan la reciente de Peter Jackson y la que realizara durante la década del 70’ el realizador John Guillermin con producción del insigne Dino DeLaurentiis.

La historia de la música del cine cuenta que fue De Laurentiis quien pensó en Barry para este proyecto teniendo en cuenta su extraordinaria vena romántica, convocatoria a la que el compositor respondió con un magnífico tema de amor evocando, una vez más, la historia imposible de la "Bella y la Bestia".



Cuando le fue ofrecido el score de King Kong, el compositor inglés se encontraba en Norteamérica, trabajando en la producción televisiva "Franklin y Eleanor" Barry estaba en gran demanda en ese momento por haber ganado dos veces el Oscar (1966: Born Free y 1968: The Lion in Winter ). El score produjo uno de sus mejores temas de amor, siendo, además, uno de sus trabajos más importantes en la década del 70, totalmente diferente del trabajo de Steiner pero con un vuelo característico.

No fue, en consecuencia, ninguna sorpresa que el álbum de la banda de sonido –en su versión en LP– haya vendido bien. Se dice incluso que en relación puede haber vendido aún más que el film.



Repasando el booklet de esta versión de King Kong por Film Score Monthly encontramos que sugiere que es llamativo que John Barry fuese la primera opción para realizar el score. Evidentemente, la resolución de la película como una historia trágica de amor interesó a los productores para emplearlo y el compositor, aceptó el encargo sin cuestionarlo mucho. Esta nueva visión del clásico requería una composición apartada del sonido de Max Steiner, cambiando fundamentalmente su Mickey Mousing por melodías, que hicieran hincapié en la relación entre la bella y la bestia, mediante un sinfonismo del que Barry había hecho gala en trabajos anteriores. El compositor, admitió no haber revisado el score de Steiner, ya que no lo vio necesario.

Kong fue una asignación que le permitió reencontrarse con un director con el que había trabajado muchos años antes. Barry y John Guillermin habían compartido responsabilidades en Never Let Go de 1960, claro que esta había sido una producción muy modesta que nada tenía que ver con las intenciones espectaculares del film.



Para la película, Barry enlazó la grandiosidad sinfónica con la tragedia, la amenaza y el suspenso propias de la trama. Veamos cómo, analizando cada tema:

"The Opening" fue un tema compuesto antes de que comenzara el rodaje y por lo tanto no es todo lo romántico que los productores esperaban ya que incorpora varios motivos oscuros que escucharemos a lo largo del score.

"Maybe My Luck Has Changed" no es otro que el hermoso tema compuesto para la heroína y que, en su momento, conociera una versión cantada por Andy Williams.

"Arrival to the Island" es un tema romántico adicional que no volverá a ser usado. En este corte Barry utiliza, inesperadamente, un leve subrayado de sintetizador y una conclusión mediante varias notas graves.



Por supuesto un score de Kong no puede existir sin un momento tribal habiendo los personajes llegados a la isla, de ahí la existencia de "Sacrifice - Hail to King", el corte más extenso del compacto, se aparta del resto del score, debido especialmente a que es una composición diegética destinada a la ceremonia en la que se hace entrega de la víctima al Rey Kong. Los tonos dramáticos se acompañan de percusión exótica y gritos nativos, así como efectos sonoros oídos en el propio film.

"Arthusa", es uno de los cortes más logrados, que muestra musicalmente a Kong disfrutando de su trofeo. En este tema el compositor aporta en principio una variante del tema romántico subrayado por el piano.

Full Moon Domain- Beauty is a Beast", tema estructurado en dos partes, introduce un nuevo tema atmosférico que sirve para acompañar los nefastos resultados de la expedición que busca a la heroína. En la segunda parte se presenta el tema de amor levemente dosificado y se va reconstruyendo cuando Kong enfrenta a una serpiente, alcanzando uno de los mejores climas de la banda sonora.



En "Breakout to Captivity", aparece un nuevo tema de seis notas que inspira terror y donde se acelera el ritmo introduciendo percusiones, un momento de alta tensión para la captura de King Kong. Otra ocasión en la que se incluyen efectos sonoros del film.

"Incomprehensive Captivity" grafica el traslado de Kong a la gran ciudad, ahí encontramos un sonido de metales que resulta amenazante y nos transportan hacia un motivo con cuerdas que describen la captura de King Kong.

"Kong Hits the Big Apple", es solamente un tema diegético acorde con el período en el que se realizó el film.

"Blackout in New York/How About Buying me a Drink" es el tema apropiado para que el compositor acentúe la amenaza, si bien incorpora una versión de saxo del tema de la protagonista, aunque el tono dramático regresará pronto y con fuerza.



Trepando al World Trade Center, los metales añaden espectacularidad en "Climb to Skull Island", el contrapunto de las cuerdas crecen para concluir con la aparición de un nuevo tema dramático.

"The End is at Hand" resuelve muy bien con un fabuloso corte de acción. Quizá lo mejor del álbum.

Finalmente "The End" es un emocionante tema con cuerdas en el que escuchamos los últimos latidos de corazón del primate en cuestión. Acto seguido llegan los créditos finales, con el tema de amor en versión piano.



Para terminar esta reseña, un par de datos anecdóticos. Más allá de la conocida versión de la editora Mask, este lanzamiento de FSM es el primer CD oficial extraído de las cintas de 1/4"estéreo originales.

Por otro lado para quienes todavía se preguntan porque no se editó una versión completa de esta banda sonora, ya que Film Score iba a invertir en ello. La respuesta oficial es que los derechos originales se encuentran en manos de distintas corporaciones más allá de quien distribuyera el film y por lo tanto, es imposible ampliar o remezclar la música más allá de la edición original del LP.



Más allá de cualquier comparación con Steiner, Shore o Newton Howard, el escuchar esta versión de King Kong nos recuerda que siempre hay algo de magia en la forma en que John Barry compone para un film. ¿La respuesta se encuentra en la forma en que su música ambienta los paisajes en los que transcurre la acción?. ¿Será su forma de expresarse, constantemente lacónica?. ¿Barry posee el arte que hace que cada melodía sea pegadiza?. ¿Acaso es la manera en que gradúa cada nota en forma ascendente hasta llegar al clímax?.

Es probable que los motivos sean estos y muchos más. Pero cada uno es nada más que una parte de la explicación. En el arte, no existen certezas.